Premiere am 21. Januar 2001 in der Weinstube am Stefansberg, Bamberg.
Letztmals gespielt am 13. Februar 2005 im Galgenberg-Restaurant Hildesheim.


Faltblatt-Text:

Ein Programm mit deutschen Folksongs? Ganz schön riskant in einer Zeit, in der gewisse Politiker dem deutschen Neofaschismus nichts weiter entgegenzusetzen haben als die Proklamation einer "deutschen Leitkultur". Zeit, sich wieder einmal ins Gedächtnis zu rufen, was deutsche Kultur ist:

Dein Christus ein Jude
Dein Auto ein Japaner 
Deine Pizza italienisch
Deine Demokratie griechisch
Dein Kaffee brasilianisch
Dein Urlaub türkisch
Deine Zahlen arabisch
Deine Schrift lateinisch
Und Dein Nachbar nur ein Ausländer?

"Deutsche Leitkultur" ... Bedeutet das - so frage ich als Musiker - die Einführung einer Deutsch-Quote, wie sie Mitte der Neunziger für die Musikberieselung in Radio und TV diskutiert wurde, oder wie sie von Richard Strauss für deutsche Konzert- und Opernbühnen in der Reichsmusikkammer des Nazi-Regimes durchgesetzt wurde? Werde ich demnächst als Musiker ein Vorrecht genießen, wenn ich auf deutsch musiziere, oder reicht es hierzu, wenn ich "deutschen Blutes" bin?
Ein solches Vorrecht müsste ich ausschlagen: Ich kann mein Deutschfolk-Programm nur so lange guten Gewissens zu Gehör bringen, wie nebenan Samba, gegenüber Klezmer und zwei Straßen weiter Irishfolk gespielt wird. Nach jiddischen und internationalen Folk- und Chansonprogrammen ist dies nur ein - muttersprachlicher - Beitrag zum kulturellen Pluralismus in diesem Lande. Ästhetische, nicht patriotische Empfindungen waren der Auslöser, und vielleicht ein wenig die rein logische Überlegung, daß es ohne "national" kein "international" geben kann.
Unser Problem ist nicht die Multi- oder Mischkultur, sondern die profillose Einheitskultur, das beschränkte Verständnis des Begriffs "international", der - getreu der Vertriebskonzepte internationaler Großkonzerne - zumindest in der Rundfunksparte "Pop" schon immer nur "englischsprachig" bedeutet hat. Nicht erst seit ich zum Folkfest nach Rudolstadt pilgere, empfinde ich die Diktatur des Einerleis, wie sie in den Musikprogrammen der allermeisten deutschen Radiostationen herrscht, als Verrat an der musikalischen Vielfalt.


"Volksmusik" und "Volkslied" sind Begriffe, die in Deutschland bis zur Entstellung vergewaltigt wurden. Dem Fernsehzuschauer wird unter diesen Etiketten Schlagermusik der übelsten Machart präsentiert: Trachtenpuppen mit hochgezerrten Mundwinkeln säuseln Dümmlichkeiten zur zünftigen Synthesizerkapelle. Nicht nur einfältige Deutsche, auch ahnungslose Ausländer halten das für deutsche Volksmusik.

Irland-Reisende beispielsweise wissen es besser: Volksmusik bedeutet Selbermachen, bedeutet Mitmusizieren in geselliger Runde, bedeutet, mit "Star of the County Down" und "Carrickfergus" und all den anderen Liedern aufgewachsen zu sein. Das fehlt uns Deutschen; auch wir haben ein Bedürfnis nach lebendiger, nicht unbedingt inländischer Volksmusik, und da wir meist kein "traditionelles" Repertoire haben wie die Iren, weichen wir auf Songs wie "Take me home, country roads" oder "Über den Wolken" aus. Doch diese (und ein paar andere) Lieder nerven entsetzlich, spätestens dann, wenn man sie zum hundertsten Mal zur Klampfe anstimmen soll, weil die anderen Partygäste nichts anderes auswendig singen können.
Manchmal rebelliere ich: Dann singe ich etwas völlig Unbekanntes, etwa auf französisch oder jiddisch, oder eben auch ein altes Lied in deutscher Sprache. Zu meiner eigenen Überraschung genieße ich damit meist die volle Aufmerksamkeit; plötzlich scheint ein frischer Luftzug durch den Fetenmief zu wehen. Einer murmelt was von Minnesang und Mittelalter, ein anderer fragt, was das war und will mehr davon, und eine dritte ist zu Tränen gerührt.

Vielleicht beschwört der alte Sprachduktus der Liedtexte Erinnerungen an die Zeit, als uns unsere Eltern und Großeltern noch Märchen vorlasen oder sogar Schlaflieder sangen. Vielleicht gibt es ein menschliches Urbedürfnis nach dem "Es war einmal". Nicht weil man gern früher gelebt hätte, sondern weil man spürt, daß das Früher zum Heute gehört, wie die Mutter zum Kind, wie die Quellen zum Fluß.
Folksongs Singen bedeutet für mich weder, aus der unbewältigten Gegenwart in ein verklärtes Mittelalter flüchten zu wollen, noch den biedermeierlichen Rückzug ins Private, bedeutet erst recht nicht, selber zu meinen, was man da singt. So kann es sein, daß das inhaltlich-ideell gottseidank überholte Lied vom barfußgehenden Feinsliebchen heute distanzierter und weniger romantisch klingt als zur Zeit des Volksliedsammlers Zuccalmaglio (dem die uns überlieferte Gestalt dieses Liedes zu verdanken ist), aber unterschätzen wir jene Epoche nicht: Die Ironie ist keine Erfindung der Postmoderne.

Plakatentwurf von Nicola Killmann 
(nur für die ersten zwei Konzerte genutzt)

Wer die Lieder in meinem Programm wann, wo und für welchen Anlass geschrieben und zum ersten Mal gesungen hat, ist oft nicht bekannt. Möglich, daß manche Texte, manche Melodien schon im Mittelalter in Umlauf waren oder aus anderen Ländern importiert wurden. Es war - und ist ja noch immer - üblich, auf bekannte Melodien neue Texte zu schreiben. Ebenso wurden Liedtexte, deren Melodien verschollen waren (weil die Volksliedsammlern des 19. Jahrhunderts oft in Wahrheit nur die Texte sammelten), neu vertont oder mit fremden Melodien unterlegt. So verfuhr beispielsweise 1912 Max Pohl mit dem Text "Wie schön blüht uns der Maien" (zu finden in der Liedtexte-Sammlung "Des Knaben Wunderhorn" von Clemens Brentano und Achim von Arnim): Eine Courante aus Ernst Scheeles Lautenbuch (von 1619), die wiederum dem englischen Renaissance-Tanzlied "Sellingers Round" folgt, mußte diesem Text von nun an als Melodie herhalten.

Was die musikalische Interpretation von Folksongs angeht, so halte ich betonte Einfachheit nicht unbedingt für authentisch, wenn einem gewisse technische Fähigkeiten zur Verfügung stehen, die man durch die Beschäftigung mit anderen musikalischen Genres erworben hat. Ich mag Renaissance-Musik, ebenso wie Folk, Rock, Pop oder auch romantische Klassik. Wer genau hinlauscht, kann in meinen Arrangements mal diesen, mal jenen Einfluß hören. Und wer die Lieder bereits kennt, wird sicher hier und da kleine Veränderungen in Melodie oder Text bemerken, die ich vornahm, um sie singbarer oder verständlicher zu machen.

Vielleicht kann ich mit meinem Programm ein wenig zur Erweiterung Ihrer Liedrepertoires beitragen, vielleicht sogar Ihre Lust wecken, selber nach derlei Liedern zu suchen, sei es in Kindheitserinnerungen oder Liederbüchern, auf Hannes Wader-, Liederjan-, oder Zupfgeigenhansel-Platten. Vielleicht gelingt es uns sogar gemeinsam, die Begriffe "Volkslied" und "Volksmusik" zurückzuerobern.


Auch ein Programm, das ohne großen technischen Aufwand auskommt, bringt man nicht allein auf die Bühne. Es würde zu weit führen, hier dankend all jene Freunde und Bekannten zu nennen, die mich durch ihren Zuspruch ermuntert haben, weiterzumachen. Ausdrücklich danken möchte ich an dieser Stelle aber Martin Wortmann für die Fotos und Nicola Killmann für ihr liebevoll gezeichnetes Plakat!

Holger Saarmann, Bamberg im Januar 2001


Anmerkung 2014: Mein damaliges Live-Repertoire entsprach in etwa meiner ersten CD "Hüt dich, schöns Blümelein".

... das sind drei oder vier Berliner Liederpoeten, die es leid sind, allein vor leeren Stuhlreihen zu musizieren, während die Publikumsmassen in die Thermen deutscher Behäbigkeit strömen, um den Heldenbarden der 70er zu lauschen.

Wir wollen das verlogenen Klagelied übertönen, der deutschen Liedermacherzunft fehle es an Nachwuchs.

Wir singen das "Über den Wolken" von morgen! Wir dichten diesem seltsamen Volk neue Lieder! 

Meist singen wir in unseren Muttersprachen, weil uns Musik und Lyrik gleich wichtig sind.

Wir singen für Menschen, die zuhören wollen! Weghören ist anderswo!

In unseren Konzerten musizieren wir sowohl reihum als auch gemeinsam.

Mal baden wir in vielstimmigem Wohlklang, mal lauschen wir einer einzelnen Stimme.

Wir experimentieren, zitieren und fusionieren ohne Rücksicht auf vermeintliche Grenzverläufe zwischen den Genres.


"Die Asphaltbarden" waren:

Claudia Gorr, Martin Talir, Fritz Wiehe & Holger Saarmann  (April 2004)
Tom Duerner, Fritz Wiehe & Holger Saarmann  (Oktober 2004)

Reinhild Kuhn, Tom Duerner & Holger Saarmann  (November/ Dezember 2004)

Asphaltbarde werden kann übrigens jeder, der eigene Lieder singt, nicht (nur) allein auftreten will und sich mit unserem Konzept anfreunden kann:

Originalplakate 2004

"Asphaltbarden" - das Projekt und sein Konzept


Die "Asphaltbarden" wurden im März 2004 in Berlin als plakattauglicher Titel für ein gemeinsames Konzertprojekt erfunden. 

Holger Saarmann war der Namensgeber.

Unter der Mitwirkung von Tom Duerner und Fritz Wiehe wurde aus dem Titel ein Konzept:

"Asphaltbarden" sind in der Regel drei oder vier Solisten mit Lust am Gemeinsamen, die als loses Ensemble ein Konzertprogramm planen, organisieren und musizieren.

Vom Solobeitrag bis zum Quartett ist alles drin, in bunter personaler Abfolge, die von inhaltlichen und dramaturgischen Kriterien bestimmt wird.

So sind die "Asphaltbarden" stets mehr als die Summe der Beteiligten, egal in welcher Besetzung sie den Abend bestreiten. Manche Besetzung wird sicherlich mehr als einen Abend überdauern, denn es wäre bisweilen schade, so viel Liebe und Mühe in einen One-Night-Stand zu stecken!

Egal unter welchem Etikett – Liedermacher, Singer/Songwriter, Chansonpoet, etc. – und mit welchem Instrument die einzelnen Beteiligten unterwegs sind, aus der Gemeinsamkeit werden immer wieder interessante und abwechslungsreiche Konzertprogramme ohne stilistische Eingrenzung entstehen.

"Asphaltbarden" ist ein Markenzeichen für handgemachte Musik zum Zuhören. Um den schleichenden Einzug des allgegenwärtigen Einerleis – und damit das intellektuelle Wegschlummern unseres Publikums – zu verhindern, hat sich der Stamm auf zwei Richtlinien geeinigt:

* Mindestens drei Viertel der am Abend gespielten Lieder müssen eigene Werke der Vortragenden sein.

* Mindestens die Hälfte der am Abend gespielten Lieder sollte deutsche Texte haben.

Die "Asphaltbarden" sind ein heimatloses Tingel-Unternehmen und auf möglichst zahlreiche geeignete Räumlichkeiten in und um Berlin angewiesen.

Langfristig wollen wir einen Ort finden, an dem sich die Konzertreihe "Asphaltbarden" zuhause fühlen darf. Das Tingeln werden wir trotzdem nicht lassen.

Premiere unter dem Titel "Asphaltbarden" war am 2.April 2004 im "Trödler",
Derniere am 2. Dezember 2004 iim "OstEndTheaterar".